Gina Hyunjoo Sohn(孫賢珠, 손현주)

Gina hyunjoo sohn, née en 1965 en Corée du Sud, vit actuellement à Paris.
Elle est née sur l'île coréenne d'Anmyeon, y a vécu et peint jusqu'à l'âge de 19 ans. Elle a étudié la littérature coréenne à l'université et s’est spécialisée en journalisme durant les cycles supérieurs. Ensuite, elle travaille comme rédacteur-journaliste dans une société éditrice d’un journal à Séoul pendant 20 ans. En 2010, elle retourne sur l'île et retrouve son travail d’artiste. Elle a organisé dix expositions personnelles à Londres, à Séoul et à Paris. Parmi celles-ci, deux expositions personnelles étaient des invitations par des galeries d'art et une autre grande exposition privée d'environ 990 mètres carrés s'est tenue dans le Centre des Arts à Cheonan. Et elle a édité 4 livres dont l’  « Odyssée à Anmyeondo ».

À l'automne 2017, elle s'installe à Paris. Elle est entrée à l'École des Beaux-Arts pour se forger une expérience profonde dans l'art contemporain. Elle a attiré l'attention en ouvrant de manière unique l’exposition personnelle avec cinq salles d'exposition lors du programme de résidents ArToll en Allemagne.


Inspiration et travail
Gina Hyunjoo Son a travaillé sur l'île durant 8 ans et exploré son identité. Elle a photographié les déchets qui ont été abandonnés jusqu'à la frontière entre les îles et la mer et a communiqué avec le monde entier par l'installation et le dessin. Mais après l’emménagement à Paris, le travail s'est élargi. Son travail a évolué vers le contemporain en adoptant les philosophies de l’Est ainsi que de l’Ouest. Elle s’inspire de trois bâtons de couleurs représentant l’origine de l’Orient.

En Orient, le rouge signifie le ciel, le bleu-la terre et le jaune-l'homme. Le triangle avec les trois barres représente « l'homme » dans la philosophie orientale. Gina Son a associé ce bâton à la géométrie occidentale pour explorer les changements, l’équilibre, la circulation et les relations. Ce travail est au centre de l’art contemporain à travers l’installation, le dessin, la photographie et la gravure en se posant des questions sur l’universalité de la société contemporaine.

Pour elle, l'espace abstrait géométrique des surfaces, des lignes et des points se répète. Son travail est donc basé sur l'abstraction post-picturale. Ceci est lié à la méditation que l’artiste a pratiquée pendant 17 ans. Les éléments les plus frappants tels que la pierre, les arbres et les outils humains produits en série constituent « le changement de relation » qui les unit. C'est aussi une préoccupation fondamentale pour l'homme, l'univers, la circulation et la vie.
Ce type de question qui se pose « D'où venons-nous? Nous sommes ? Où allons-nous? »

*Le travail de Gina hyunjoo Son est soutenu par l’organisme « Notre réseau de la mer de l’Asie de l’Est, OSEAN » de Corée du sud, l’institut privé de la recherche, de la promotion, de l’éducation, du développement politique et de la coopération internationale pour la protection de l’environnement maritime. Les observations, les spécimens, les statistiques et les recherches concernant les déchets marins sont continuellement fournis à l’artiste. Ce sont des outils de solidarité décisifs pour la réalisation du travail de l’artiste.  Page d’accueil : http://osean.iceserver.co.kr

A Neuron Chaser of the Island / 2017 ART CENTER, CHANAN
Korean Photographic Artist Gina Hyunjoo Sohn lives in Anmyeondo, an island located in the west of Korea and the east of China. The island is 24 kilometers long and 5.5 kilometers wide. Its circumference is 120 kilometers. To her, it is life, artistic background, and code. Her ancestors have lived there from generation to generation and she had lived there until she was 19. Since then, she had spent 30 years in cities. The city had provided her opportunities to study literature, work in the editorial department of a newspaper, and select millions of photographs to appear in newspapers for 20 years. I might have longed for the island, the lifeline, like the umbilical cord. It was 6 years ago when she returned to the island, settled, and started to take photographs. It was because the island was her lifeline, the umbilical cord, and the last destination of her life cycle. She began to go around the coastline of the island afterward. It was a dangerous journey that took a full 15 days to walk around the island along the coastline. She did it twice - once in 2010, and again in 2014. She selected 119 photos from the 30,000 that she took during the trip and introduced them in her exhibition at the Doosan Gallery with the title, “Odyssey in Anmyeondo,” in July 2015. The exhibition was favorably noticed in the press. She gave her first private exhibition in London in 2014, with the title “The Island Is a Buoy.”

 Her works consist of objets, photographic stories of her adventures when she went around the coastline of the island, like Homer’s Odyssey. These objets bring up the island’s desperate reality, dream, and even past memories. Then, they lead to a third photographic space.

 Die Sinfonie der Insel
Byunghak Ryu, Art Critic, says that “objets are considered as our self-portrait at least to her” and “Odyssey in Anmyeondo” is our journey to make us answer the question of “Who am I?”

<  Reference Photo: Hyunjoo Sohn’s Youngmok 5279, Pigment print 43×100cm, 2015  >

 He says that “Gina Son’s “Odyssey in Anmyeondo” aims for a third photography, beyond the dichotomy of photo documentary and photo art. He cites “Youngmok 5279” (2014) and “Baramarae 9692” (2014) as examples. “Youngmok 5279” (2014) is a photograph of a sparkling objet in a vast field. It is like a fantastic photograph of space that captures a planet among stars in the sky. As you go near the photograph, you will realize that the stars in the sky are stones and broken clam shells and the planet is a plastic buoy. In spite of that, the plastic buoy is more like a salmon pink, often seen just before a sunrise, and the color of the mud flat is also more like a royal blue, often seen just after a sunset. This is because Gina adequately cut out the top and the bottom portions of the photo with color calibration at the last stage before the final photo was printed. For instance, the reason why her mud flat photo could look like a photograph of a fantastic space is because the photo has been produced through color calibration and bold editing.

 However, the beautiful photo of the mud flat isn’t just about being aesthetics. Whenever Gina leaves her home to take pictures on the mud flat at dawn, she meets villagers who get up at daybreak and dig out oysters and clams from the mud flat. She knows that the island’s women’s hands have no time to be smooth even during the winter. Accordingly, whenever she pulls the trigger on the mud flat, she might feel ambivalent. To her, a photo of the flat mud is like a winemaker’s sweat in the vineyard collected in his bottles.

 The Extremely Enchanting “White Devil”!

<  Reference Photo: Gina Hyunjoo Sohn’s Baramarae 9692, Pigment print 58×100cm, 2014  >

 Gina’s “Baramarae 9692” (2014) appears to be a huge unidentified object, floating on an attractive emerald-color swamp. If you take a closer look, you will realize that the unidentified objet is a Styrofoam buoy, chapped everywhere and damaged. It is often referred to as a “white devil.” The Styrofoam buoy is relatively cheaper than other types, lighter and more buoyant. It is widely used for various fishery buoys. However, since it is easily broken and does not decay well, fish or birds die from eating broken Styrofoam, and this, in turn, adds to marine pollution.

 Gina says, “When I saw it at first on the seashore, it seemed to have somewhat of an aggressive shape. Thus, I changed the color of the sand into green. The sand looked like a sea covered with water-blooms. And the white buoy looked like a dying fish due to a lack of oxygen.”
In spite of this, the buoy in the photograph looks like a huge unidentified objet, floating on an attractive emerald swamp or sinking into it, at least to me. This is because the water-blooms that Gina recalls look more mysterious rather than dirty or muddy. Thus, the reason why the “white devil” looks like a mysterious objet is because she transforms the sand into water-blooms. Byunghak Ryu says, “However, because of that reason, fatal danger lurks in this mysterious beauty.”

 In summary, the objets in her photos were either garbage that islanders threw out or abandoned daily consumables. However, Gina Hyunjoo Sohn made a third type of photographs using these objets, as if she connected the island’s organs with her brain by neurons. The neuron is originated from a Greek word, meaning a cord or a string. The garbage objets form about 100 billion `island’ neurons after continuously being multiplied. Inanimate objects, such as Styrofoam buoy, television, and circular wooden barrels, turn into life organisms and they made people embrace life in the universe. As William James described, a feeling that overflowed at the beginning of the universe turned into sound, light, color, and texture and is reflected in her art work.

지나 손(Gina Hyunjoo Sohn)
대지미술(Land Art, Earth Works)에 기반을 둔 현대미술가. 프로젝트의 주제에 따라 공간예술, 설치, 사진, 영상,회화, 판화, 조각, 퍼포먼스 등 모든 분야에서 프로세스를 제시하며 재료와 물성을 탐구한다.

1965년 섬 안면도에서 태어났다. 8살부터 그림을 그렸고, 스무 살 되던 해 섬을 떠났다. 2010년 섬으로 회귀, 사진을 찍으면서 작가활동을 시작했다. 작가의 초기작업은 해안가 부표, 쓰레기 등 바다 오브제를 찍어 태생적 정체성을표출해 왔다. 2016년부터는 사진 뿐만 아니라 회화와 설치, 영상을 통해 섬의 다층적 구조를 끌어낸다. 그는 2017년 파리로 이주, 미술대학을 다니면서 작업과 개념을 확장시킨다. 2020년 프랑스 보자르(베르사유 시립미술대학École des Beaux-arts de Versailles)를 이례적인 점수로 졸업한다. 그는 자연의 맥동에 의해 작가의 행위가 해체되는 과정을 지켜보면서 예술의 본질과 사물의 실존에 의문을 구한다. 대지미술에서 영감, 자연 속에 기하학 오브제를 설치하거나 퍼포먼스를 통해 빛의 움직임, 맥동, 생성과 소멸,순환의 원리를 지켜보면서 최소한의 개입을 하는 개념 작업을 진행해 왔다. 세분하여 «정렬_비정렬 ORDRE-DÉSORDRE»이라는 주제를 통해 동양철학의 맥락에서 ‘가득 찬 빈 공간’의 질서와 해체된 무질서를 관찰해 왔다. 
작가는 프로젝트의 개념을 실험하기 위해 다양한 매체를 연구한다. 비디오, 사진, 페인팅과 조각, 설치, 판화, 퍼포먼스를 통해 전시공간의 외부와 내부를 드나들며 서로 다른 공간에서 주제와 어떤 연결성으로 사물과의 관계를 끌어내는지 표현한다.

주요 전시 10회의 개인전을 진행했다. 2014년 런던 갤러리 MOKSPACE에서 «섬은 부표다 The island is a buoy»라는 타이틀로 첫 개인전을 열었다. 2015년 두산갤러리 초대, 119점 서사사진전 «안면도 오디세이 Odyssey in Anmyeondo: 기획 미술평론가 류병학»를 개최했다. 2016년 «PARISLAND» 사진 개인전을 서울과 대구에서 펼쳤으며, 2016년 자하미술관에서 «Good Night, Analog Art_ Good Morning, Digital Art»전을 했다. 2016년 예술의전당 천안 미술관에서의 «섬으로 가는 길_Odyssey in Anmyeondo»개인전은 1관과 2관 약 300평에 걸쳐 사진, 설치,영상, 페인팅 등 대규모 섬 파노라마를 선보인다. 2017년 공간프로젝트 «무인지대 A Zone, No One»를 광주 송씨고택에서, 2017년 유로디자인센터에서 «노란잠수함» 개인전을 열었다. 2017년 통의동 진화랑에서 «생각 생각»전시를 마치고 파리로 건너가 활동한다. 2019년 독일 요셉보이스마을 ArToll-Kunstlaber레지던시에서 5개의 전시장을 사용하며 극찬을 받은 «Variation : Rouge, Jaune, Bleu»전시와, 파리 중심가 L’ime art Galerie에서 «누군가로부터 De quelqu’un»이라는 주제로 한달 간 초대전을 했으며, 이어 서울 Baum Galerie에서 «불편한 똥_Merde embetante»주제의 전시를 펼쳐보였다. 2021년 2월에는 프랑스 혁신아티스트 그룹 초대로 NIMES에서 «ANYWAY»전에, 5월에는 프랑스 PERPIGNAN에서 «N’iMPoRTe Qui PeuT FaiRe N’iMPoRTe Quoi»전에 참여 중이다. «Odyssey in Anmyeondo» 등 4권의 저서가 있다.

지나 손에게 대지미술은
지나 손은 30년간 섬에서 살아온, 섬 유전자를 지닌 작가다. 그에게 대지는 자연의 이치와 아름다움을 표현할 수 있는 가장 자연스러운 캔버스다.인간은 자연에서 태어나 자연으로 돌아간다. 작가는 시작이자 끊임없는 순환의 동체인 이 우주의 변화를 담고 있는몸체, 즉 대지(땅)라는 캔버스 위에 드로잉 작업을 한다. 해변에 기하학 오브제를 놓거나, 몸이나 도구로 형태를 만들거나, 하늘에 막대기를 던져 ‘허공을 드로잉’하는 퍼포먼스와 어떤 인공적 행위를 통해 사람들에게 질문을 던지는 소통의 장터를 중요하게 생각한다. 즉, 사물이 자연의 맥동에 의해 소멸, 혹은 변형되는 과정을 자연스럽게 지켜보도록유도한다. 작가의 의지와 자연이 생성하고 허물며 제3의 물성을 끌어내는 지점을 관찰한다.그것은 짧은 순간 우리가 머물고 있는 이 땅에 대한 통찰이며, 알 수 없는 힘을 알아채는 명상이며, 자연의 이치를 지켜보는 일이다. 아무렇지도 않게 흘러가는 일상의 관습을 뒤집고 틈을 지켜보며 질문을 던진다.아마도 이것은 존재를 인식하는 지점일 것이다. ‘텅 비어있는 공간’에 자신을 투영하는 것이다. 동양철학에서 비어있는 것(空)은 무(無)가 아니라 무수한 원자들이 가득 차 있는 꽉 찬 공간이라는 것을 작업 속에 암시한다. 우리의 공간은 끊임없이 변화하며, 그 변화의 흐름 속에 인간은 자연과 함께 직립한다. 여기서 작가는 특정 사물을 놓아 관계를 인식하도록 장치를 한다.이렇듯 작가가 스며들고자 하는 대지미술은 예술가의 정신과 지키고자 하는 예술적 가치, 공유의 개념을 큰 정신으로 두고 있다. 대지미술은 단기간 프로젝트로 진행되는 ‘과정의 미술’이다. 자연에 설치한 미술을 화이트큐브로 모두끌어올 수 없으니 결과물은 도큐먼트(Document)와 사진, 비디오로 남게 된다. 개념이 중요한 이유다. 그러나 동시대 평등한 예술을 지향한다면, 현장을 확장시켜 접근성을 높이는 방법은 없을까. 그래서 작가는 대지의 작업을 화이트큐브로 끌어들이는 공간적 융합을 모색했다. 현장의 설치를 사진과 영상으로찍고 페인팅, 판화, 조각, 퍼포먼스 등 다양한 매체로 표현하여 미술관의 안과 밖을 드나들게 하는 개념이다. 지나 손의 작업이 다양성을 지니는 가치가 여기에 있다.
 
 

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